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Des maîtres du funk aux prodiges du prog et au-delà, Rolling Stone rend cet été hommage aux plus grands bassistes… Ever ! 

N.B : cet article est quotidiennement agrémenté. Découvrez chaque jour un nouveau bassiste dans le classement !

50 – Thundercat 

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Revenez sur les sons qui ont défini l’avant-garde du hip-hop, du jazz, du R&B, de l’électronique et bien au-delà au cours de cette dernière décennie – y compris les disques de Kendrick Lamar, Janelle Monáe, Flying Lotus, Kamasi Washington, Erykah Badu, Infantile Gambino et bien d’autres – vous tomberez forcément sur un nom : Thundercat. Né Stephen Bruner, le bassiste a grandi dans une famille de musiciens et a décroché son premier live performance très tôt avec les vétérans du thrash-punk Suicidal Tendencies. De là, il est devenu un super-héros musical plus grand que nature : un joueur d’une compétence stupéfiante qui mix un amour profond du funk classique et de la fusion avec des influences allant du yacht rock au nu-métal et au néosoul. Que ce soit dans ses propres chansons aussi pop que ludiques ou lors de ses innombrables apparitions en tant que visitor star, sa signature sonore à six cordes transparaît toujours. « Vous pouvez faire toutes sortes de choses avec votre instrument en dehors de sa fonction et de sa floor », a-t-il déclaré à Interview en 2013. « Ma basse est ma béquille, mais la meilleure béquille que je puisse avoir. »

49 – Duff McKagan

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Avant de rejoindre les Weapons N’ Roses, Duff McKagan avait à peine touché une basse. Il était un ancien guitariste et un ancien batteur qui avait fait son apparition sur la scène punk de Seattle au début des années 80. La combinaison de ses antécédents et de son approche brute du jeu a donné aux chansons des Weapons, comme « It’s So Simple » et « You Might Be Mine », un côté rugueux. Pour apprendre l’instrument, McKagan s’est appuyé sur les lignes de basse de Prince (« J’ai adoré ce rythme R&B », a-t-il dit un jour), de John Paul Jones de Zeppelin, de Paul Simonon des Conflict, de Lemmy Kilmister de Motörhead et, plus surprenant encore, de Barry Adamson du groupe postpunk Journal. « Dans Journal, ces lignes de basse étaient si prononcées qu’il avait la pédale de refrain sur la basse », a dit un jour McKagan, en référence à un dispositif qui donne à l’instrument un son vitreux, presque creux, « et c’est vraiment là que j’ai pris la pédale de refrain pour Weapons ». Cette arme secrète a aidé McKagan à mettre sa basse au premier plan sur les albums Urge for food for Destruction et Use Your Phantasm, égalant la musicalité de Slash et le cran d’Axl Rose, ce qui en fait une partie intégrante du son du groupe, et du arduous rock des années 80 et 90 – même s’il n’est pas conscient de son affect. « Je ne sais pas où je suis classé », a-t-il dit un jour. « Je ne fais pas consideration à ça. Je suis juste tellement à fond dans mon métier ».

48 – Kim Deal

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Kim Deal travaillait comme réceptionniste dans un cupboard médical en 1986 quand elle a lu une annonce dans le journal Boston Phoenix disant qu’un groupe cherchait un(e) « bassiste pour Hüsker Dü et Pierre, Paul et Marie ». Essayez d’imaginer le premier morceau de Doolittle des Pixies, « Debaser », sans sa partie de basse lancinante au début, ou « Gigantic » (une des rares chansons des Pixies qu’elle a écrites) sans sa ligne aussi hypnotique que easy – elle propulse toute la chanson. Deal attribue son efficacité en tant que bassiste à son absence de fioriture. « Certaines personnes ne peuvent pas ou ne veulent pas faire cela », a-t-elle dit un jour, en réfléchissant à la simplicité de son rôle dans « The place Is My Thoughts ? ». « Ils veulent aider à pousser chaque petit second ; ils veulent être impliqués. Ils ne se contenteront pas de pédaler dans quelque selected ».

47 – Leland Sklar

© Rob Verhorst/Redferns/GettyImages

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Le mouvement des auteurs-compositeurs-interprètes des années 70 a demandé à certains musiciens spécialistes du « backup » de jouer sans jamais distraire le chanteur ou la chanson. Pour atteindre cet objectif, James Taylor, Jackson Browne, Carole King, David Crosby et Graham Nash ont régulièrement fait appel à Leland Sklar. « J’ai appris ce que c’était de soutenir et d’accompagner », dit Sklar à propos des musiciens de studio. « On ne se mettait pas directement derrière eux, mais on se forgeait quand même une identité. » La basse discrète, non tape-à-l’oeil mais mélodieuse de Sklar se retrouve sur de nombreux classiques de Taylor (« You’ve Obtained a Buddy », « Helpful Man », « Your Smiling Face ») ainsi que sur « Physician My Eyes » de Browne et le culte No Different de Gene Clark. Dans les années 80, sa basse est devenue partie intégrante des disques de Phil Collins, entendue sur « Don’t Lose My Quantity », entre autres, et Sklar l’a même funkée sur l’hymne à membership des Climate Ladies « It’s Raining Males ». Pas étonnant que Crosby l’ait qualifié de « meilleur joueur du monde ».

46 – Peter Hook

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Bien qu’ils proviennent de scènes et de générations différentes, Peter Hook a toujours été le Keith Richards de la basse – un maître du groove qui joue les riffs dignes de son époque. Dans Pleasure Division et New Order, il a redéfini l’instrument pour le post-punk des années 70 et 80. Des générations de jeunes artistes ont essayé de copier sa pulsation mélodique dans « She’s Misplaced Management », sans parler de son côté badass. Comme tant de musiciens de Manchester, Hook a vu les Intercourse Pistols et a immédiatement décidé de monter un groupe de punk. Sa basse est devenue l’instrument principal de Pleasure Division, conduisant des classiques du doom comme « Transmission » et « No Love Misplaced ». Alors que Pleasure Division évoluait vers New Order, avec des tubes comme « Age of Consent », il est devenu le bassiste le plus imité de l’époque. Toujours plus bruyant que nature, Hook a écrit trois mémoires et n’est pas en bons termes avec le reste de New Order.

45 Esperanza Spalding

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Si vous assistez à un live performance d’Esperanza Spalding, il y a de fortes probabilities que vous n’ayez qu’un obscure aperçu de ce qu’elle peut faire, qu’il s’agisse de reprendre des requirements de la chanson ou de jouer parmi ses compositions les plus audacieuses et futuristes inspirées tout autant du R&B que du rock progressif. D’abord prodige du violon, c’est au lycée qu’elle s’est pour la première retrouvée avec une basse entre les mains. (« C’est comme se réveiller un matin et réaliser qu’on est amoureux d’un collègue de travail, » confiait-elle au sujet de sa rencontre avec son instrument fétiche). Depuis lors, elle est devenue l’une des plus grandes ambassadrices de la basse moderne, et a remporté quatre Grammy Awards au passage.

44 – Joseph Makwela

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Joseph Makwela a pratiquement inventé la basse sud-africaine. Batteur du Makgona Tshole Band, il a component la suite eu la première basse électrique d’Afrique du Sud. Au plus fort de l’apartheid, Makwela a pris cette basse d’event et a complètement transformé la musique de son pays. Il a inspiré des joueurs comme Bakithi Kumalo, qui déclarait au journal Bass Participant en 2016 : « Joseph Makwela a été la première personne que j’ai vue jouer de la basse électrique. Il jouait des mélodies très haut, ce qui a eu une grande affect sur ma musique. Son type agressif mais flottant a défini le groove mbaqanga avec des classiques allant de « Umculo Kawupheli » des Mahotella Queens à « Ngicabange Ngaqeda » de Mahlathini »

43 – Mike Watt

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Peu de musiciens, tous genres confondus, peuvent se vanter d’avoir le doigté de Mike Watt. Fondateur des Minuteman à la fin des années 70, il est accompagné du chanteur et guitariste D. Boon et du batteur George Hurley. « Il voulait que la basse soit au premier plan et la batterie aussi, » a déclaré Watt à propos de Boon. « Il voulait qu’on soit sur un pied d’égalité, et j’étais totalement partant« . Prenant cette maxime démocratique à cœur, Watt a contribué à repenser la musique punk en composant des chansons courtes et percutantes aux accents funk, jazz, folks, blues et même rap. Watt pouvait se mesurer à n’importe quel musicien hardcore – l’exemple parfait étant l’intro de « Bob Dylan Wrote Propaganda Songs » de 1982. Comme on peut l’entendre non seulement chez les Minutemen, mais aussi avec Firehose, Watt était toujours au prime à chaque fois qu’il mettait la basse au premier plan – tout comme l’un de ses héros, Jack Bruce de Cream.

42 – Tony Levin

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Tony Levin a travaillé avec tout le monde, de John Lennon à David Bowie en passant par Cher. Mais il est surtout connu pour son travail avec King Crimson et Peter Gabriel. Ce que son penchant pour le tapping ne laisse pas deviner – comme dans « Shock the Monkey » – c’est qu’il a commencé comme musicien de session dans les années 1970 aux côtés de Paul Simon. Il a ensuite rencontré Gabriel (après son départ de Genesis), et a grandement contribué à sa musique. Levin joue aussi avec beaucoup d’âme sur deux des plus grandes ballades de la fin de la carrière de Bowie, « Slip Away » et « The place Are We Now ? ». Il a également inventé le « Funk Fingers », un gadget pour son approche percussive de la basse.  « Ce n’est pas si facile de décrire exactement ce que c’est, mais, en termes simples, il s’agit de trouver les bonnes notes et de les jouer le plus simplement, » déclarait-il en 2013… Ca semble si easy !

41 – George Porter Jr.

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Rien n’illustre mieux le groove que l’interplay entre le bassiste des Meters, George Porter Jr. et son batteur Zigaboo Modeliste ; une relation nécessitant une extrême rigueur pour évoquer l’atmosphère décontractée de leur ville natale de la Nouvelle-Orléans. Grâce à sa longue expérience au sein de l’un des groupes les plus funky, Porter a su faire briller des morceaux comme « Cissy Strut », « Funky Miracle », « Simply Kissed My Child » et « Hand Clapping Tune », en proposant des riffs ronds et lourds… à en faire vibrer les enceintes ! Le travail de Porter avec les Meters est devenu un élément essentiel du hip-hop, et des dizaines d’artistes comme A Tribe Referred to as Quest, Cypress Hill, N.W.A et Public Enemy samplent les morceaux du groupe. Musicien de studio de luxe, il apparaît également sur de nombreux enregistrements d’autres artistes comme Labelle, Dr. John, Robert Palmer, Lee Dorsey et Ernie Ok-Doe.

40 – Invoice Black

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Premier bassiste d’Elvis Presley et membre des Blue Moon Boys, Invoice Black n’a jamais été considéré comme l’un des instrumentistes les plus en vue de son époque, mais sa approach de slap-bass a été la pierre angulaire du rock du King. « Invoice était l’un des pires bassistes du monde, » a déclaré un jour Sam Phillips, le propriétaire de Solar Information, « mais, il pouvait claquer ce truc ça c’est sûr ! » Les percussions de Black ont ainsi donné à des « Heartbreak Resort » ou encore « That’s All Proper » un dynamisme fou… malgré l’absence totale de batterie ! Paul McCartney était tellement obsédé par le jeu de Black sur « Heartbreak Resort » que Linda McCartney a retrouvé la contrebasse originale de Black et lui a offert en cadeau dans les années 70. Le musicien a également un rôle essential dans l’enregistrement par Presley de « Blue Moon of Kentucky », sa première face B. « C’est en effet Black qui s’est levé, a attrapé sa basse et a commencé à la claquer, en chantant le classique d’une voix de fausset, » a déclaré Moore. « La chanson devait être une ballade, mais Invoice l’a chantée uptempo et Elvis a adoré« .

39 – Kim Gordon

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Pionniers de l’indie et de l’alt-rock, rien de ce qui concerne Sonic Youth n’est classique, de leurs vidéos à leurs guitares étrangement accordées – en passant par les lignes de basse de Kim Gordon. Elle n’avait jamais joué de cet instrument avant de co-fonder le groupe au début des années 80, et de son propre aveu, ses compétences n’ont jamais atteint un haut niveau. Mais son type primitif ne pouvait pas mieux convenir à un groupe qui valorisait par-dessus tout l’originalité. « Mon jeu de basse a toujours convenu parce qu’il était minimal, » confie-t-elle. Le son caractéristique de Gordon – un groove guttural qui tient davantage de la rame de métro que de la mélodie – se retrouve dans toute la discographie du groupe, des premiers grondements de « Courageous Males Run (In My Household) » aux morceaux « Youth Towards Fascism » et « Sugar Kane », et plus tard, à des compos plus langoureuses comme « Jams Run Free ».

38 – Pino Palladino

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Lorsque John Entwistle est mort subitement en 2002, les Who auraient pu faire appel à n’importe quel bassiste pour le remplacer… mais ils ont opté pour Pino Palladino. Le musicien gallois avait alors déjà joué avec les meilleurs, de Jeff Beck et Elton John à John Mayer, Don Henley et B.B. King. Mais son véritable moteur était le R&B et une grande partie de ses plus grandes œuvres figurent sur des albums comme le chef-d’œuvre de D’Angelo en 2000, Voodoo, et le Mama’s Gun d’Erykah Badu. Pour ces deux albums, Palladino a enregistré des grooves doux et syncopés, un peu à la manière de James Jamerson, l’un de ses héros. « Quand les Who m’ont proposé de travailler avec eux, je travaillais avec Erykah Badu et D’Angelo, et j’ai dû changer tout mon type, » confie-t-il. « John Entwistle est mort. Pouvez-vous jouer au Hollywood Bowl dans trois jours, » voilà le coup de fil que Palladino a reçu… Remark dire non ? « Ce n’est qu’après que j’ai pensé aux conséquences. La consigne de Pete Townshend était : ‘Joue ce que tu veux, tant que tu joue fort !’ »

37 – John McVie

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Au centre de la tempête d’émotions qu’était Fleetwood Mac, le robuste et empathique John McVie a su mélanger la solidité du rock old-school et la douceur californienne, rendant le son du groupe reconnaissable entre mille pendant près de cinq décennies. McVie a débuté avec John Mayall et les Bluesbreakers au milieu des années 60, avant de rejoindre Fleetwood Mac. Des tubes comme « Go Your Personal Manner » et « Rhiannon » sont uniques en leur style. « Tu es un monstre, John, » s’est exclamé Fleetwood en écoutant les lignes de basses de McVie sur Rumours. Et il est inconceivable de penser à « The Chain » sans se remémorer ce break iconique. « J’essaie toujours d’être synchro avec la grosse caisse, » confiait alors McVie. « Mick [Fleetwood] sait où je vais, et je sais où il va, alors on se retrouve. »

36 – Les Claypool

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A la fin des années 80, il suffisait de lancer une pierre dans la baie de Los Angeles pour trouver sur un bassiste de thrash-funk, mais Les Claypool s’est immédiatement distingué parmi la légion de slap-poppers agressifs. Le capitaine du Primus, qui était de petite taille, considérait la basse comme un instrument de musique à half entière plutôt qu’une easy boîte à rythmes. « L’une des grandes choses que j’ai décidé de faire quand j’ai commencé, c’était de jouer avec trois doigts, » a-t-il un jour déclaré. « Beaucoup de gars jouent avec deux doigts, alors je me suis dit que si je jouais avec trois, je pourrais être plus rapide« . Il a tout intégré dans son jeu, des riffs métalliques aux ragas du Moyen-Orient ; et ses projets parallèles dans plusieurs supergroupes lui ont permis de peaufiner ses improvisations ; et sa collaboration actuelle avec Sean Lennon lui permet de faire quelques détours psychédéliques.

35 – Louis Johnson

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Même si Louis Johnson n’avait fait que composer l’iconique ligne de basse de « Billie Jean », il mériterait quand même de faire partie de ce High 50. Bassiste de session fétiche de Quincy Jones, il a participé à l’enregistrement de plus d’un hit dans les années 70 et 80. Grand technicien, on peut par exemple noter la légèreté de son jeu sur « Off the Wall »… non sans oublier qu’il savait aussi méchamment frapper ses cordes. Impressionnant sur “I Maintain Forgettin’ (Each Time You’re Close to) » de Michael McDonald, sa rapidité inspirera de nombreux producteurs hip hop.

34 – Richard Davis

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Richard Davis a eu une carrière particulièrement riche dans les années 60. Participant à l’enregistrement de morceaux parmi les plus exigeants de la décennie, il a su faire vibrer aussi bien le jazzy « Out to Lunch! » d’Eric Dolphy que le très folks « Astral Weeks » de Van Morrison. Musicien de session de luxe, il a également apporté son savoir-faire à des géants tels que Sarah Vaughan, Paul Simon et Igor Stravinsky. Mais c’est dans l’ombre que Davis se despatched véritablement chez lui. Et s’il rythme les mots de Springsteen sur « Assembly Throughout the River » avec brio, « Astral Weeks » reste le joyaux de sa carrière. « C’était lui l’âme de l’album, » se souvient son producteur, Lewis Merenstein.

33 – Lemmy

Lemmy Kilmister

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Le plus grand tube de Motörhead, « Ace of Spades » débute avec Lemmy Kilmister frappant sa basse avec tant de vigueur qu’on pourrait le croire en route pour l’Enfer, sa Rickenbacker sur l’épaule. Qu’il s’agisse de ses textes ou de son jeu, Kilmister était dans le don de soi le plus whole. Avant Motörhead, Kilmister jouait de la guitare. Ce n’est que pour rejoindre le groupe Hawkwind qu’il s’est mis à la basse. « C’est comme la guitare, mais avec deux cordes en moins, » avait-il un jour déclaré. « Du coup je me débrouille pour composer avec celles qui restent ! Ce n’est pas bien catholique mais ça nous correspond. » Rapidement il a développé son propre type. « Lemmy m’a beaucoup influencé dans sa manière d’utiliser la distorsion, » avait d’ailleurs un jour déclaré l’ancien bassiste de Metallica Cliff Burton. Le jeu de Kilmister était en adéquation totale avec sa voix râpeuse et il en était très fier ! « Je crois bien que personne ne joue comme moi, » avait-il déclaré. « Je voulais être John Entwistle mais comme la place était prise, j’ai opté pour une model low cost« .

32 – Sting

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Si les skills de compositeur et de chanteur de Sting sont souvent loués, on oublie son jeu de basse ! L’ancien frontman de Police a appris à chanter et jouer en même temps en écoutant des 78 excursions — pour pouvoir entendre la ligne de basse plus clairement. « J’avais toujours joué de la guitare, mais quand on m’a mis une basse entre les mains je suis tombé sous ne charme, » a-t-il confié à Bass Participant. « J’ai appris à jouer les lignes de basse de McCartney en même temps que j’apprenais les paroles. » Par la suite, c’est le jeu de Sting qui a donné à Police sa patine New Wave et reggae. « C’était comme si un rai de lumière céleste éclairait ce mec, » avait confié le batteur Stewart Copeland après avoir vu Sting sur scène en 1976. « Et je n’avais même pas fait gaffe à sa voix, juste son jeu. »

31 – Bernard Edwards

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Bassiste iconique de Stylish, Bernard Edwards s’est servi de ses solides connaissances en musique classique et en jazz pour magnifier le disco lumineux qu’il composait avec son ami de longue date Nile Rodgers. S’il avait uniquement enregistré « Good Occasions » – une des lignes de basse les plus samplées de l’Histoire – il ne figurerait pas sur cette liste. Mais en tant que co-compositeur de tubes tels que “Le Freak”, “I Need Your Love” ou encore “I’m Coming Out” de Diana Ross et “Like a Virgin » de Madonna, il le mérite amplement ! Là où la majorité des bassistes se complaisent dans l’ombre, il cherchait la lumière. Il est mort en 1996 à l’âge de 43 ans. Mais son œuvre est immortelle.

30 – Bob Moore

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Le jeu de contrebasse de Bob Moore peut être entendu sur des tubes de George Jones à Bob Dylan. Aux côtés d’autres musiciens de session de légende comme Charlie McCoy, Buddy Harman, Ray Edenton et Hargus « Pig » Robbins, le type sophistiqué de Moore a contribué à faire de Nashville l’une des plaques tournantes de la musique américaine; Des artistes comme Patsy Cline, Chet Atkins et Brenda Lee commençaient alors à insuffler à la nation une pop et un jazz sautillant. « J’étais assis juste à côté de Pig et je regardais sa foremost gauche, » se souvient Moore, « et je pouvais dire à chaque fois qu’il allait bouger, et je bougeais exactement comme lui. » La première basse dans « King of the Highway » de Roger Miller ? C’est Moore, qui estime avoir participé à environ 17 000 periods tout au lengthy de sa carrière. L’approche de Moore contribuera à transformer à jamais le rôle de la basse. « A cette époque, un bassiste faisait de la figuration dans le groupe, » conclut Moore. « Mais moi, j’étais un joueur. »

29 – Tina Weymouth

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Avant même que le frontman David Byrne ne chante un mot du single « Psycho Killer » c’est Tina Weymouth qui joue l’une des lignes de basse les plus obsédantes de l’histoire du rock. Et c’est une grave injustice que Byrne reçoive toujours plus de crédit qu’elle. C’était un élément essentiel des Speaking Heads – même si elle n’a pas toujours été créditée – et elle a apporté un sang-froid incroyable à toutes leurs réalisations. « S’il n’y avait pas eu Tina Weymouth dans les Speaking Heads« , a déclaré Chris Frantz, batteur du groupe et mari de Weymouth depuis 40 ans, « nous ne serions qu’un groupe banal« .

28 – Aston « Household Man » Barrett

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Aston Barrett et son jeune frère Carlton ont joué un rôle essentiel dans l’introduction du reggae à un public worldwide. Mais l’affect de l’autoproclamé « Architecte du reggae » s’est étendue bien au-delà de ce style, à la pop, au R&B et au funk : sa ligne de basse puissante sur le morceau instrumental « The Liquidator », du groupe Harry J. All Stars, a servi de modèle pour le hit « I’ll Take You There » des Staples Singers trois ans plus tard. « La batterie, c’est le battement de cœur, et la basse, c’est la colonne vertébrale, » a dit un jour Barrett. « Si la basse n’est pas au level, la chanson sera paralysée. » Barrett était profondément en part avec l’histoire du chief des Wailers, prêtant une consideration particulière à l’écriture des chansons de Marley avant qu’il n’invente ses propres lignes de basse. « C’est comme si je chantais baryton« , a-t-il dit un jour à propos de son travail. « Je crée une nouvelle ligne mélodique à chaque fois. »

27 – David Hood

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Certains des titres les plus funky des années 60 et 70 – « I’ll Take You There » des Staple Singers, « Inform Mama » d’Etta James, « Oh No Not My Child » d’Aretha Franklin ou encore « Take a Letter, Maria » de R.B. Greaves – avaient une selected en commun : le bassiste David Hood. D’abord employé au Fame Studio de Muscle Shoals, en Alabama, Hood a ensuite rejoins la légendaire part rythmique de la ville en 1969. Surnommé « Little David » à trigger de sa taille ; il a travaillé avec des musiciens comme le claviériste Barry Beckett et le batteur Roger Hawkins, mais aussi avec des artistes pop comme Paul Simon et Rod Stewart, des bluesmen et des rockeurs comme Bob Seger. La pomme ne tombant pas loin de l’arbre, son fils Patterson est le chanteur et compositeur des Drive-By Truckers.

26 – Israel Cachao Lopez

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Israel Cachao López a exercé une affect folle sur la pop de 1930 à aujourd’hui. En collaboration avec son frère, le pianiste et violoncelliste Oreste López, il a créé le mambo, une fusion afro-cubaine qui a influencé la salsa, le jazz cubain, le R&B, le rock & roll et, par extension, toute la constellation de la pop moderne grandement influencée par la musique latine. « Ce qui est d’origine cubaine est aussi africain, » a-t-il déclaré des années plus tard. Et son jeu – un somptueux grondement à la fois profond et élégant, se mêle aux autres devices avec une précision folle de simplicité – a posé les bases d’une improvisation qui allait devenir centrale dans la musique cubaine. Cachao s’est installé aux États-Unis dans les années 60, mais il n’a pas eu la reconnaissance qu’il méritait avant les années 90 et la sortie de ses Grasp Classes.

25 – Cliff Burton

Cliff Burton

Pochette

Lorsque Metallica s’est formé, tout ce que James Hetfield, Dave Mustaine et Lars Ulrich voulaient faire, c’était se mettre à dos le thrash metallic – jusqu’à ce qu’ils rencontrent Cliff Burton. Gros coup de cœur : le groupe convoitait tellement le bassiste que les musiciens déménagèrent de Los Angeles vers sa région natale, la Bay Space… à sa demande. Une fois au sein du groupe, Burton a fait connaître aux gars R.E.M., les Misfits et Bach, leur ouvrant ainsi les portants vers de nouvelles musicalités. Son solo de basse, dans « (Anesthesia) – Pulling Enamel », sur leur premier album de 1983, Kill ‘Em All, est à la fois démonstration d’improvisation imprégnée de musique classique, tout en respectant le wah-wah. Ses riffs d’intro sur « Harm Inc. » au milieu de « Orion » montrent aussià quel level le thrash peut être beau. Son artwork a continué à résonner avec le groupe, même après sa mort dans un accident de bus en 1986. « Sans manquer de respect à personne, il était à un autre niveau, a confié Ulrich à propos de Burton. Quand il a fallu mettre [« Anesthesia »] sur un disque, au lieu d’en faire un easy solo de basse, nous l’avons transformé en une composition. Cela ajoute une dynamique différente, presque comme des actes différents – comme le premier, le deuxième et le troisième acte. » Cette sensibilité était si évidente que lorsque Metallica a collaboré avec l’Orchestre symphonique de San Francisco en 2019, le bassiste principal de l’orchestre a voulu jouer « Anesthesia », en hommage à Burton.

24 – Geddy Lee

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Sur scène avec Rush, Geddy Lee a toujours été un maître du multitâche, jouant des claviers et des synthétiseurs contrôlés par les pieds tout en faisant jouer ses cordes vocales. Mais son jeu de basse, à la fois dur et nerveux, est ce qui a fait de lui une légende pour les followers de rock avant-gardiste. Il est l’un des principaux liens entre les pionniers des années 60 comme Jack Bruce et John Entwistle et les innovateurs des années 90 comme Les Claypool et Tim Commerford de Rage Towards the Machine. Le jeu de Lee a ajouté du grain, du aptitude et un funk surprenant à chaque époque du groupe : des grands classiques des années 70 comme A Farewell, Kings, aux joyaux des années 80 inspirés de la nouvelle obscure comme Grace Below Stress et aux efforts percutants des années 90 comme Counterparts.

23 – Invoice Wyman

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« Il doit y avoir des centaines de meilleurs bassistes que moi », confiait Invoice Wyman à Rolling Stone en 1974. « Je veux dire que je ne pourrais jamais jouer comme Jack Bruce. Si j’étais ambitieux dans cette path, je m’entraînerais, mais je ne le fais pas. » Même s’il sous-estime son expertise, ses collègues des Rolling Stones n’étaient pas d’accord. « Invoice Wyman est un incroyable bassiste », a dit Keith Richards. « Je suis toujours étonné par le goût de Invoice pour la basse… C’est un musicien très smart. »

22 – Flea

© Vladimir Artev/Epsilon/Getty Photos

Les Pink Sizzling Chili Peppers sont passés par de nombreux batteurs et guitaristes depuis leur formation en 1983. Mais Flea a été leur seul et distinctive bassiste, un joueur dont le son caractéristique – un hybride terreux (et follement charismatique) de punk, de funk et de psychédélisme – constitue l’épine dorsale du groupe. Né Michael Balzary, Flea a été fortement influencé par son beau-père, musicien de jazz, pendant son enfance. « Mon objectif était de devenir un trompettiste de jazz, mais j’ai commencé à l’adolescence et j’ai dû me rebeller contre mes mother and father », a-t-il déclaré en 2006. « Tout ce que je voulais, c’était être un punk rocker et jouer de la basse. » En dehors des Peppers, il a joué dans les débuts de Mars Volta en 2003, dans De-Loused au Comatorium et dans le groupe dérivé Antemasque. En 2009, il a formé Atoms for Peace avec Thom Yorke, montrant sa polyvalence sur des chansons comme « Earlier than Your Very Eyes… » et l’étrange « Reverse Working ». Mais c’est son jeu avec les Peppers qui l’a rendu si célèbre, de son travail inspiré de Bootsy Collins (« Increased Floor », « Sir Psycho Horny ») à ses moments mélodiques poignants (« Soul to Squeeze », « By the Manner »). « The Pink Sizzling Chili Peppers are Flea », a déclaré Anthony Kiedis à Rolling Stone en 1994. « Il est une half tellement essentielle de cette bande qu’il est inconceivable de penser qu’elle existerait sans lui. »

21 – Geezer Butler

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Peu de temps après avoir rejoint Black Sabbath, Geezer Butler passe de la guitare rythmique à la basse et a imaginé son propre type d’improvisation. Comme il n’avait jamais joué ce style de basse qui définissait le rock des années 60, il a appréhendé l’instrument avec la sensibilité d’un guitariste, aux côtés du guitariste Tony Iommi. Malgré son expertise évident, Butler a toujours minimisé ses capacités. « Parce que j’étais un guitariste rythmique, je comble les lacunes laissées par le guitariste principal », a-t-il dit un jour. « J’ai continué cela avec la basse : être le joueur gérant le rythme. Je ne me suis jamais considéré comme un bassiste ; je jouais juste ce que je pensais être nécessaire pour chaque chanson. »

20 – Rick Danko

© Paul Natkin/Getty Photos

La légende de The Band est centrée sur son rapport avec le public, mais en revisitant certains de leurs classiques, il est inconceivable de ne pas remarquer à quel level le groupe était… funky. Le travail de Rick Danko à la basse – épuré, élégant – a été essential l’élaboration de morceaux comme « Up on Cripple Creek » et « King Harvest (Has Certainly Come) ». Danko a grandi dans l’Ontario en écoutant le Grand Ole Opry sur une radio à piles et en regardant son père jouer dans des granges. En 1961, il rejoint ses futurs compagnons d’orchestre Robbie Robertson et Levon Helm dans le groupe Ronnie Hawkins’ Hawks, où il recueille les conseils de Stan Szelest, alors pianiste du groupe, sur la part rythmique. The Band a accompagné Bob Dylan lors de sa première tournée « branchée ». « J’aime la basse comme un chant de fond, a-t-il déclaré à Bass Participant en 1994. « C’est bien de laisser la half belle au chant et de répartir les autres devices autour de ce rythme. Cela donne à la musique une sorte d’effet de grande roue, qui tourne indéfiniment. » 

19 – Verdine White

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Maurice White, un auteur-compositeur-interprète-batteur-producteur accompli, a fait venir son frère Verdine à L.A. pour rejoindre Earth, Wind, and Hearth en 1970. Verdine avait étudié la basse sous la path de Louis Satterfield, qu’il décrivait comme « le James Jamerson de Chicago », et avait scruté des jazzmen comme Ron Carter et Richard Davis. Il a tout apporté à Earth, Wind, and Hearth : des albums élégants, d’une complexité à couper le souffle et qui se sont vendus par tens of millions. Les principaux singles du groupe sont généralement des morceaux catchy, mais on peut aussi apprécier le jeu de White sur certaines ballades : le grondement ascendant qui ouvre « Can’t Cover Love » ; ou encore « Love’s Vacation » ; les riffs agile et succincts qui pulsent « After the Love Has Gone ». White a tendance à être modeste dans les interviews, ce qui fait que son type de jeu est largement reconnu par les autres. « Ce que je dois faire sur le disque, c’est m’assurer que je complète le chanteur, a-t-il expliqué un jour. Si je n’entends pas le chanteur, je vais jouer, mais il n’aura aucune creativeness. »

18 – Chris Squire

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De nombreux musiciens sont venus et sont repartis de Sure au fil des décennies, mais la seule constante (au moins jusqu’à sa mort en 2015) a été le bassiste Chris Squire. Les géants du prog-rock pouvaient survivre sans des titans comme le claviériste Rick Wakeman et le guitariste Steve Howe, mais le travail de Squire était véritablement le fondement de leur son. S’inspirant de Jack Bruce, John Entwistle et Paul McCartney, Squire avait un son épais et mélodique qui alimentait tout ; des classiques du prog des 70’s comme « Near the Edge » et « Awaken » aux tubes pop des 80’s comme « Proprietor of a Lonely Coronary heart ». « Chris a impulsé l’artwork de fabriquer une guitare basse comme instrument principal, a écrit Wakeman au second de la mort de son compagnon, et associé à son sens du spectacle et à son souci du détail quand il jouait, il a fait quelque selected de spécial… Nous avons maintenant perdu ceux qui, pour moi, sont les deux plus grands bassistes que le rock classique ait jamais connus. John Entwistle et maintenant Chris. »

17 – Robbie Shakespeare

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Robbie Shakespeare et son partenaire rythmique et de manufacturing, le batteur Sly Dunbar, ont implanté leur empreinte sur des décennies de reggae. « C’était le corps entier de la basse, le son qu’il fallait posséder aux côtés d’un batteur, » a dit Dunbar en entendant Shakespeare jouer pour la première fois au début des années 70. Ils ont ensuite enregistré avec tous les grands artistes de l’âge d’or du reggae, apportant une mélodie fluide mais solide et implacable à des classiques comme Two Sevens Conflict de Tradition et Equal Rights de Peter Tosh.

16 – Charlie Haden

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La première selected que vous pouvez entendre dans les premières secondes de « Lonely Girl » – le chef-d’œuvre de jazz d’Ornette Coleman de 1959 qui a impressionné un sure Lou Reed – c’est Charlie Haden et son jeu de basse ardent et vibrant, sur la cymbale double journey de Billy Higgins. C’était le pouvoir de Haden en tant que bassiste : de donner même aux kinds les plus contemporains un sentiment d’éternité. Haden a grandi dans l’Iowa, dans le creux des chansons nation. C’est en voyant jouer Charlie Parker qu’il s’est découvert une ardour pour le jazz et, après s’être installé à L.A. pour ses études universitaires à la fin des années 50, il a rencontré Coleman, le saxophoniste qui allait être le fer de lance de la prochaine percée radicale du style. Haden a fait partie intégrante du idea de base d’Ornette, ajoutant du muscle et de l’énergie aux groupes de scène et de studio pour les décennies à venir (notamment lors d’un live performance en 1968 où ils ont soutenu Yoko Ono) et portant le flambeau de Coleman dans des projets satellites comme Previous and New Desires. Ailleurs, on pouvait le trouver à peu près partout, là où le jazz avant-gardiste apportait ses plus beaux moments, que ce soit avec Pat Metheny, Keith Jarrett ou Alice Coltrane, dans son propre Liberation Music Orchestra. « Charlie Haden joue pour l’expérience de l’auditeur, a écrit Coleman. Cela fait de lui un gourou de la musique. »

15 – Donald “Duck” Dunn

Donald Dunn — Wikipédia

(c) Wikimedia Commons

Originaire de Memphis, Donald Dunn n’était pas un membre unique de l’influent groupe Booker T. and the M.G.’s de Stax. Mais lorsqu’il a succédé à Lewie Steinberg en 1964, le groupe a pris son envol. Sa présence au sein du groupe a coïncidé avec l’enregistrement des premiers albums de soul sudiste par Otis Redding, Wilson Pickett, Sam et Dave. « Quand c’est devenu plus agressif et syncopé… mon type était plus approprié« , dira plus tard Dunn. Aux côtés du batteur Al Jackson, il a créé une part rythmique polyvalente, maîtrisant la ballade pop urbaine, les shuffles nation et la soul imprégnée de gospel. Ecoutez sa ligne de basse sur la model instrumentale de « When One thing Is Improper With My Child » de Sam et Dave, ou la mélodie qui ouvre « (Sittin’ on) the Dock of the Bay » de Redding. Dunn, que Bootsy Collins a un jour qualifié de « de fondation de notre musique« , a joué avec des légendes du rock et de la pop – Eric Clapton, Stevie Nicks, Invoice Withers, Neil Younger – mais c’est son travail influent avec Booker T., Steve Cropper et Al Jackson qui a redéfini la musique populaire. Comme l’a dit Peter Frampton, Dunn « a écrit les règles du jeu de la basse R&B« .

14 – John Paul Jones

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Bien que Led Zeppelin semble sortir de nul half à la fin des années 60, le guitariste Jimmy Web page et le bassiste-clavier John Paul Jones ont tous deux des années de session derrière eux. S’inspirant des disques de Motown et de bassistes de jazz comme Charles Mingus, Jones a joué sur des enregistrements de Donovan, Jeff Beck et Dusty Springfield, entre autres, et il a arrangé « She’s a Rainbow » des Rolling Stones. Ainsi, lorsque le second est venu pour lui de jouer les lignes lentes de « Dazed and Confused » et « What Is and What Ought to By no means Be » ou les rythmes endiablés de « Immigrant Tune » et « The Tune Stays the Similar » – en harmonie avec Web page – c’était du gâteau. Son sens de la musicalité le guidera également bien au-delà de son passage dans Led Zeppelin. « John défie tout le monde en silence« , a déclaré Dave Grohl à l’époque où il jouait avec Jones dans Them Crooked Vultures. « Sa présence vous fait jouer du mieux que vous pouvez, parce que vous ne voulez pas le laisser tomber. Et si vous pouvez suivre, vous vous en sortez bien« .

13 – Stanley Clarke

Lenny White & Stanley Clarke | Rochester, N.Y. - 1976 | Flickr

Toute une génération de bassistes a contribué à marier la sophistication du postbop des années 60 à la puissance du rock taillé pour les arènes. Mais c’est Stanley Clarke qui est sans conteste le dieu de la basse fusion. Clarke a commencé à jouer de la contrebasse et voulait être musicien classique ; mais sa rencontre avec Chick Corea lors d’un live performance a tout bouleversé. Ils ont formé Return to Perpetually, l’un des premiers groupes de jazz électrique des années 70, dans lequel Clarke pouvait à la fois jouer de la basse et avoir son mot à dire en tant que soliste vedette. Leurs premiers albums solo – comme College Days – lui ont permis d’aller plus loin dans le funk et de montrer son étonnante approach. Plus récemment, il s’est lancé dans la composition de musiques de movies et de séries télévisées, a participé à Morning Section de Beck (qui a remporté un Grammy Award) et à et a inspiré des sommités comme Thundercat (qui a récemment déclaré : « Je remercie Dieu qu’il y ait eu Stanley Clarke pour me montrer la voie« ). « Tout ce que j’ai fait, c’est arrêter de me tenir dans l’ombre et créer mon propre groupe« .

12 – Willie Dixon

Fichier:Willie Dixon en 1963.jpg

(c) Wikimedia Commons

Bien que Willie Dixon soit surtout connu comme l’un des bluesmen les plus influents de l’histoire, dont les chansons ont été chantées par Howlin’ Wolf et Muddy Waters, ce n’est là qu’une partie de son héritage. Il a joué de la basse sur les premiers enregistrements rock de Chuck Berry et Bo Diddley, et certains de ses morceaux  comme « I Can’t Stop You Child » et « I Ain’t Superstitious » ont été repris par tout le monde, de Led Zeppelin à Megadeth. La première basse de Dixon était de pacotille. Vers 1939, il « boxait, travaillait et essayait d’apprendre à jouer de la basse« , selon ses propres dires, jusqu’à ce qu’il développe son propre type ondulant, définissant le style. « Après deux ou trois semaines, je pouvais jouer aussi bien que maintenant« , disait-il en 1980. Quand Berry lui a fait écouter pour la première fois la chanson qui allait devenir « Maybellene », Dixon a trouvé qu’elle était trop nation & western, alors « j’y ai ajouté un peu de blues pour en faire une meilleure chanson« , confiera-t-il. « Willie Dixon est mon modèle« , déclarera Invoice Wyman des Rolling Stones. « J’ai toujours idolâtré Willie Dixon, en particulier parce qu’il était sur les disques de Chuck Berry et Little Walter, Howlin’ Wolf, et beaucoup d’autres artistes de chez Chess. »

11 – Phil Lesh

Phil Lesh & Friends - July 3, 2008 - The Pageant, St. Loui… | Flickr

(c) Flickr

De la même manière que les Grateful Lifeless ont transformé le rock, Phil Lesh nous a fait entendre la basse d’une nouvelle manière. Fondateur du groupe, il a grandi baigné dans la musique expérimentale et classique et a appris la trompette et le violon au lycée. Il n’a commencé à jouer son instrument de prédilection que lorsqu’on lui a demandé de rejoindre les Warlocks, la première model du Lifeless. En conséquence, Lesh ignorait les bases de la contrebasse que tant de bassistes reprenaient : « Je ne pensais pas que cela conviendrait à la musique que j’allais faire avec Jerry« , a-t-il déclaré en 2014. Son idée – « jouer de la basse et du lead en même temps« , ses notes s’élançant dans et autour de la mélodie. Et c’est devenue un élément aussi reconnaissable du son du Lifeless que la guitare de Garcia. Son son peu conventionnel peut être entendu dans des enregistrements comme « Truckin’ », « Shakedown Road » et « Cumberland Blues », la model dwell de « Scarlet Begonias » du légendaire live performance de Cornell en 1977, et de nombreuses variations dwell de « Eyes of the World ».

10 – Ron Carter

Pochette du disque « Patrão »

« A la basse, c’est mon homme, Ron Carter », dit fièrement Q-Tip à l’event de la sortie du morceau tremendous funky de Low Finish Principle A Tribe Referred to as Quest,, « Verses From the Summary ». Ce titre, qui marque une étape importante à l’intersection du jazz et du hip-hop, a été un pièce de plus à l’édifice du grand Ron Carter, qui participe à des periods depuis 60 ans. Avec plus de 2 200 crédits à son actif à l’automne 2015, il a obtenu un document du monde Guinness un an plus tard, en tant que « bassiste le plus enregistré de l’histoire du jazz ». Au-delà des chiffres, le CV de Carter est stupéfiant : de l’ancrage au quintet de Miles Davis qui a remodelé le jazz à son aventure sonique aux côtés de Roberta Flack et Aretha Franklin, en passant par la bossa nova d’Antônio Carlos Jobim… Que ce soit en duo discret ou dans un massive band, Carter ajoute toujours une touche de pure classe. « Je pense que M. Carter est l’un des musiciens qui écoute le plus », a déclaré Pat Metheny, collaborateur et ami de longue date, en 2016. « Il a joué dans des milliers de contextes différents et est toujours succesful de trouver quelque selected qui fait ressortir le meilleur de ses associés, tout en restant toujours fidèle à son propre sens de la musique. »

9 – Paul McCartney

Paul McCartney dévoile "Egypt Station" et les premiers extraits, "I Don't Know" et "Come On to Me"

© Droits réservés

McCartney s’est mis à la basse par nécessité, après que Stu Sutcliffe ait quitté les Beatles à Hambourg en 1961. « Il y a une théorie selon laquelle j’ai malicieusement fait sortir Stu du groupe pour obtenir la basse », a déclaré McCartney au biographe Barry Miles. « Oubliez ça ! Personne ne veut jouer de la basse, ou personne ne le faisait à l’époque. » Mais il s’est approprié l’instrument, surtout lorsque les aventures des Beatles en studio ont pris leur envol dans la seconde moitié des années 60 et qu’il a troqué son Hofner pour un Rickenbacker. La basse de McCartney pouvait être un assist cool et équilibré, comme sur « Lucy within the Sky With Diamonds » et « Expensive Prudence », ou un instrument à half entière – « Paperback Author », « Rain » et « A Day within the Life », toutes ces chansons où son jeu transmet le désir d’une vie plus libre ou plus excitante. Son type ludique et mélodique à cette époque doit beaucoup à James Jamerson de Motown, dont on dit souvent qu’il a eu la plus grande affect. Après 1970, McCartney a suivi le rythme de son époque, en s’installant dans l’ère du disco avec « Foolish Love Songs » et « Goodnight Tonight ». Et bien que son intérêt pour la quatre cordes se soit estompé au fil des années, il n’a jamais cessé d’inspirer des générations de musiciens à percevoir le potentiel immense d’une grande ligne de basse.

La suite bientôt…



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